Анна Зимина: Поиск продолжается…

 Мы пили чай в мастерской старого смоленского дома и говорили о детских мечтах, творчестве, разочарованиях и смыслах... Что такое фотография — искусство или ремесло? Каковы критерии оценки талантливой работы? Кто такая Анна Зимина — Фотограф или Художник?..
Были еще вопросы из разряда «вечных» — и готовых ответов, конечно, не было, а это значит, что поиск смыслов продолжается!

 

Что есть человек?

— Анна, в наш технологичный век, когда все гаджеты имеют встроенные фотокамеры, когда Инстаграм лидирует по числу пользователей, когда не объявил себя фотографом только ленивый, хочется снова вместе с вами порассуждать: что такое фотография? Что это для вас?
— Изначально, фотография — это светопись, то есть изображение, созданное при помощи света. Древние отпечатки водорослей на камне, или даже, отпечатки от купальника, которые остаются на теле, когда вы загораете, — все это некий прообраз фотографии.
И возникла она вовсе не как искусство. Скорее, фотография начиналась как техническое исследование окружающего мира. Изначально это именно технология, которая появилась от желания запечатлеть окружающий мир, и запечатлеть его физико-химическим способом! В то время эти науки претерпевали стремительное развитие, так что фотография — это следствие научно-технического прогресса в чистом виде.
Искусство «подключилось» позже, когда фотографический портрет приобрел наибольшую популярность. И фотография начала демонстрировать нам то, как мы видим человека. Или как фотограф его видит. Ведь это, в принципе, задача искусства — ответить на вопрос: что такое человек, и как человек соотносится с тем миром, в котором живет.
Создавая художественную фотографию, талантливый фотограф отвечает на вопросы: что такое человек? Что такое я сам? Я — человек?

 

Реальность за кадром

— Можно ли свадебную фотографию назвать художественной?
— Смотря какая свадебная фотография — они тоже разные бывают. Однако, есть принципиальное отличие бизнес-фото от художественных фотографий. Ведь в бизнес-фотографии, когда фотограф работает на заказ, он, прежде всего, «отвечает» на потребности и интересы заказчика, а значит, вынужден руководствоваться критериями заказчика. А потребности и критерии бывают далеко не самыми возвышенными: в ходе мероприятия заказчики хотят продемонстрировать насколько «все было круто». И очень часто свадебные фото демонстрируют нам, в конечном итоге, до какой степени «главные герои» мероприятия готовы отказаться от собственного лица при помощи визажистов и фотошопа, ориентируясь на глянцевые стандарты и не понимая, что это нивелирует личность, стирает индивидуальность…
Здесь все определяет мнение и вкус заказчика.
Хотя я не хочу выносить какой-то вердикт свадебным фотографам, многие из них героически отрабатывают свои деньги. И, в какой-то мере, свадебные фотосессии — это тоже средство документирования жизни, когда фотограф «молчит» своими работами, оставляя реальность и свое отношение к ней за кадром.
Художественное фото — это другое, оно демонстрирует не внешнюю, а внутреннюю сторону жизни, то, что скрыто. На работах знаменитых фотографов вы увидите (и почувствуете!) любовь к людям, а иногда и отвращение к человечеству как жестокую правду о мире, в котором мы живем. Например, работы фото-документалиста Мартина Пара демонстрируют, чем позволяет себе человек стать… В любом случае, фотография как искусство — это выражение собственного мнения, отношение к жизни, к самому себе. Здесь есть идея и концепция.

Я хочу это сделать, и я это делаю.

— Присутствие концепции – это обязательный критерий? Вот мы смотрим на великую картину Левитана «После дождя. Плес». Картина прекрасная! А какая там концепция? Да и нужна ли она?
— Концептуальность — это важная составляющая, прежде всего, современного искусства. Об этом говорят многие художественные критики: если в 19 веке художник мог талантливо изобразить действительность, то в начале третьего столетия — этого, как правило, недостаточно.
Приведу пример, «оправдывающий» концептуальность. У меня есть серия — 40 работ-фотограмм под названием «Ахроматическое цветение». Это однотипные двухслойные работы: верхний слой черно-белый — фотограмма на пленке, нижний — на бумаге, где изображение кремовое. Сами цветы были сделаны из «примитивных» материалов: проволоки и мусорных пакетов. В самом названии есть присутствие конфликта: ведь цветение, цветы — это всегда цвет, прежде всего, а все 40 работ — черно-белые. И мы понимаем, что это черно-белое цветение не принесет плода, оно бесплодно и бессмысленно. И в жизни немало таких вот бессмысленных и бесплодных вещей, которые не отвечают даже собственным названиям — человек, например, часто бывает бесчеловечен.

— Анна, ваша выставка в Витебске называется «Модуль А». Откуда пришло это название и почему вы увлекаетесь не классической фотографией, а использованием новых нетрадиционных техник, которые приближают ваши работы то к графике, то к акварели?
— Насчет названия — все просто (или все сложно, не знаю). Мне всегда был интересен элемент в искусстве, который заставляет изображение «работать», вдыхает в него жизнь, делает работу такой, что на нее хочется смотреть, думать, изучать. И эта выставка — одна из попыток понять такое явление. Может быть, первая попытка, поэтому модуль (в значении элемент) А.
А насчет технологий создания работ — это моя вечная потребность выразить то, что я хотела бы сказать. Как это выразить? И я ищу формы: графика, полученная фото-путем, гумбихроматная печать и другое… И этот поиск продолжается!
При гумбихроматной печати, например, работу невозможно повторить дважды — каждая из них уникальна, потому что на акварельную бумагу губкой наносится эмульсия, содержащая цвет, от 3-х до 11-ти раз, таким образом, плотность тона набирается слоями… И работы получаются неповторимыми в буквальном смысле.
В технике гумбихроматной печати сделана серия фотограмм «Привет, Саи!», похожая на печатную графику. Здесь нет образа как такового, скорее сочетание цветов, форм, экспрессии. Это на грани техник живописи (или акварели) и фотографии.

— Такие эксперименты, на ваш взгляд, будут поняты зрителем? И вообще, насколько вы сами хотите быть понятны и поняты как художник в широком смысле этого слова?
— Моя первая персональная выставка случилась в Брянске. И вот в тетради отзывов мы прочли примерно следующее: «Хорошая нескучная выставка, есть настроение, но лучше, когда поменьше философии, побольше женственности» или «Можно раскрыть себя в более доступной форме, более реально».
Комментарий мужа Дмитрия: «Почему ты так настойчиво не выбираешь доступные реальные формы? Неизвестно…»
— Я не знаю, может быть, мне все равно, насколько меня поймут и одобрят… Как человек сомневающийся, я скорее предположу, что меня не поймут…И, может, поэтому в процессе создания работы механизм следующий: я хочу это сделать — я это делаю… Я не думаю о том, понравится это или нет.
Это решено было однажды раз и навсегда. Я поставила перед собой вопрос: если у меня вообще не будет зрителя, буду ли я этим дальше заниматься? Хочу ли я признания или работаю по другим причинам? Ответ очевиден: работать, что-то создавать, если есть умение и способности, надо не из желания славы. Вопрос зрителя должен волновать художника как элемент ответственности за свое творчество. Но слишком расстраиваться из-за непонимания — это так же коньюктурно, как и слишком радоваться популярности!

Удивите меня!

— Если это не зритель и не слава, то каковы для вас критерии творчества?
— Главный критерий для меня — муж.
Дмитрий: «У тебя есть своя незыблемая линия. У нас разный вкус. У тебя есть свои собственные внутренние критерии. Это очень похоже на постоянную попытку до чего-то дотянуться и постоянное недотягивание. Даже в цветах — не до конца красный…»
— Действительно, так! Я бы сама о себе не могла сказать точнее… И как подтверждение — сразу вспомнилось: было время, когда я любила исполнять фуги своего любимого композитора Баха, имеющие особый духовный смысл, и у меня возникало ощущение, что вот-вот я пойму что-то главное, единственно важное, какую-то непреложную истину.. вот-вот… Так и в творчестве — ты часто пытаешься дотянуться до какой-то истины, высшего смысла… Подходишь к этому все ближе… Можно ли подойти вплотную и увидеть Смысл лицом к лицу? Не знаю…
А самый простой для меня критерий — «удивите меня». Когда я смотрю работы — хочу открыть мир заново, открыть десятое измерение, новый взгляд…

— Чем вы вдохновляетесь?
— Думаю, вдохновения, как необходимого ощущения для творчества не существует вообще… Я рационалист, и считаю, что в любом состоянии ты можешь работать. Для этого не нужно ждать особых состояний.
Хотя, бывает, что поработаешь два часа — и сил нет, а иногда можешь провести в мастерской день — и процесс идет! В этом смысле, как аппетит во время еды, вдохновение возникает в процессе самой работы.
Испытывая чувство драйва, я вообще не могу работать. И не могу работать под музыку — это чужая атмосфера… Скорее, мне необходимо свести к минимуму внешние воздействия, погрузиться внутрь себя.
Вдохновляюсь наблюдением за окружающим миром — когда удается уловить внутренние законы движения самой жизни, тогда возникает спокойное внутреннее состояние духа, и хочется создавать…
Конечно же, вдохновляют встречи с интересными талантливыми людьми — иногда две беседы на кухне могут дать импульс на полгода работы! Просто от того, что ты видишь людей, которые чего то жаждут, шевелятся, творят — понимаешь, что все не зря!

— Если не зря, то ради чего?
— Думаю, ответ на этот вопрос можно искать всю жизнь, но у меня был такой яркий критический момент переосмысления ценностей. Нового принятия (или не принятия) себя, своего творчества. Тогда я начала делать серию работ «Открытки на память». Каждая «открытка» снималась на большую камеру — пин холл. Каждый кадр снимается от часа до полутора — такое долгое экспонирование придавало «смазанный» эффект движущимся вещам, в то время, как статичные предметы получались четко. В основе была серия автопортретов, но за счет длинной выдержки, когда смотришь потом на изображение, не всегда понимаешь — ты ли это… И для меня было принципиально важно понять — зачем?
Зачем такое долгое время, и столько сил тратится на творчество? Ведь все со временем стирается, портится, заливается водой, как это было у нас пару раз (мастерская находится в подвале старого дома)? И вот остались на память эти открытки — как воспоминание о размышлениях: зачем все?
Тогда я поняла, что все это не ради конечного результата. Смысл творчества — это внутренние трансформации, которые происходят с твоей душой в процессе работы. Хотя… Поиск продолжается!